追光丨健身er们“阳康”后，如何科学稳妥地恢复运动？******

　　新冠感染后“阳康”了

　　好想赶快回健身房“撸铁”

　　可现在到底适不适合锻炼？

　　应该怎样科学恢复运动？

　　这是近期不少小伙伴们关心的问题

　　让我们听听专家们怎么说

　　问题一：恢复期到底能不能运动？

　　山西白求恩医院康复医学科主任王萍芝表示

　　新冠感染后长期住院或居家养病

　　会导致肌肉力量和耐力的下降

　　适量运动有利于身体恢复

　　但切忌操之过急

　　一般情况下

　　恢复期运动量

　　不宜超过平时的三分之一

　　逐渐增量即可

　　对患有糖尿病、高血压、冠心病

　　等慢性病人群

　　及60岁以上老年人

　　最好在运动前咨询医生

　　根据自身情况

　　制定具体运动处方

　　问题二：如何保证运动适量？

　　恢复运动之前及过程中

　　可持续对身体状况进行评估

　　广东省体育局日前发布的

　　《新型冠状病毒感染转阴后（阳康人员）重返运动指南》指出

　　可使用6分钟步行距离试验

　　简易评估运动能力

　　正常人6分钟步行距离大于450米

　　主观感受轻松、不费力

　　心率在每分钟110次以下

　　可以尝试开始恢复运动

　　世卫组织提示

　　恢复运动过程中

　　可使用“Borg主观疲劳感知评估量表”

　　粗略作为逐步提高活动水平的指南

　　如在锻炼后感到严重疲劳

　　以及其他症状加重

　　此时应避免进一步活动

　　问题三：恢复运动应如何“循序渐进”？

　　恢复初期可开展一些相对温和的运动

　　如慢步走、做广播操、健身操等

　　而且要控制时间和强度

　　足球、篮球、羽毛球、长跑等

　　较为剧烈的运动

　　建议暂缓恢复

　　根据世卫组织发布的

　　《康复指导手册：COVID-19相关疾病的自我管理（第二版）》

　　可考虑将恢复锻炼分为

　　五个阶段

　　每个阶段至少保持7天

　　第一阶段：为恢复锻炼做准备

　　例如：呼吸练习、温和的步行、拉伸和平衡练习

　　第二阶段：低强度活动

　　例如：散步、轻微的家务

　　第三阶段：中等强度的活动

　　例如：快走、上下楼梯、慢跑等

　　第四阶段：具有协调和有效技能的中等强度练习

　　例如:跑步、骑自行车、游泳等

　　第五阶段：回归到基线练习

　　可以完成感染之前的正常运动锻炼了

　　问题四：“阳康”人员恢复运动还有哪些注意事项？

　　王萍芝提醒

　　运动时要及时监测心率变化

　　以及主观感觉

　　如再次感染新冠

　　或运动时出现

　　心悸、头晕、胸痛等不适

　　须立即停止运动

　　必要时寻求医疗帮助

　　长期健身者普遍认为自身体质好

　　易在未完全康复的情况下

　　进行较高强度运动

　　造成病情反复

　　因此切忌盲目自信

　　避免过度运动

　　记者：刘扬涛、马晓媛、薛宁婧

　　视频制作：薛宁婧

　　编辑：吴俊宽、王沁鸥

戏剧创作不可放逐表达意识******

　　作者：夕 君

　　戏剧是人类古老的艺术形式，数千年来绵延至今，派生出不同的类型、风格、流派等，可以说蔚为大观。其中，针锋相对的观点、迥然有别的艺术实践对话、共存，也是一道风景。总的来说，持不同理论主张、开展不同艺术实践的戏剧人普遍注重戏剧的表达意识，即认为，戏剧的思想内容、舞美设计等是创作者主体精神、生命体验、生活经验等的表达与投射，凝结着创作者特定的文化、艺术诉求。说得直白一点，一部戏总得说点什么，哪怕表现的是荒诞甚至空虚，那也是有所表达的。

　　然而令人感到遗憾的是，实践并不总是与理论期待相符合，有些作品的表达意识相当淡漠，故事情节千篇一律，人物塑造千人一面，台词中充斥着大话、空话、套话，甚至将报纸、文件上的话成套、成段堆砌到剧本之中，在拾人牙慧、牙牙学语中，窥见思想的空洞、思考的阙如和态度的敷衍。有时，这类作品的主创还会以绚丽的声光电等手段掩盖表达意识的不足。令人稍觉慰藉的是，这类放逐了表达意识的、机械生产式的作品，几乎不会受到观众和市场的认可，甚至很少有人看，其造成不良影响的范围是很有限的，只是浪费了人力物力资源，仍很不妥。

　　戏剧创作放逐表达意识，有不同的表现形式，与无人问津的作品相比，艺术内核不坚固但观众数量庞大的作品更值得注意。随着戏剧发展的多元化，不少作品越来越强调观众的参与感、互动感，无论剧本创作还是舞台设计，都为观众的介入留足了空间。这类作品以创新的姿态挖掘戏剧的新的可能性，探索戏剧概念的边界，值得鼓励，然而一旦过于强调互动性，戏剧自身逻辑的完整性难免遭到破坏，创作主体的表达意识必然要向观众的参与和选择让步，二者如何调和，非常考验创作者的智慧和经验。

　　在某种浪潮汹涌之时，保持一定的克制和定力十分可贵。跨界融合没有问题，分寸、尺度至关重要。当戏剧大幅度、全方位地向观众“敞开”，其文学意味、表达意识被稀释乃至消解，戏剧和游戏、剧本杀、视觉秀等其他艺术形式、娱乐方式的差异及边界就逐渐变得模糊不清。有些作品，说它是戏剧，它似乎击穿了“第四堵墙”，侵入了观众的心理屏障；说它是游戏，它又很难像纯粹的游戏那样让观众毫无顾忌地投入，毕竟与看过剧本的职业演员一起演戏，这种压力对观众来说太大了些，很难放得开；说它是舞台秀、灯光秀，其科技含量、视听效果又很难达到观众期待的“大秀”的水平。

　　那么，问题就来了。放逐表达意识而一味追求与观众“打成一片”，戏剧究竟获得了解放还是陷入了尴尬？这个问题不容易回答，但可以做进一步、长时段观察。把自己“创新”成其他事物，这是否是戏剧创新的理想途径？这个问题也不容易回答，但值得认真考量。

　　在笔者看来，文艺工作者应该坚持以人民为中心的创作导向，时时刻刻将观众放在心中，这完全正确且非常必要。但是，尊重观众、为观众服务，并不意味着放逐自身表达意识，把剧本“写作权”交给观众，仅将戏剧视为让观众游乐其中的一场真人秀，怎么乐呵、怎么新鲜就怎么来。真正的创新应该是有内涵的，而不是让艺术坚守让位于商业逻辑、让精神共鸣让位于感官刺激。文艺作品、文化产品终归不同于一般的商品，仅仅满足消费者物质层面的“使用需求”是不够的。纵然不能一律要求戏剧为观众启智润心，也至少应该提供些许精神对话的场域、心灵慰藉的温度、审美愉悦的空间。做好本职工作，守护好文艺、文艺工作者的职责，这才是真正将观众放在了心上。哪怕创作者的追求仅是娱乐观众，内涵较为丰富、表达意识较强的作品，也往往能够达到更好的娱乐效果。

　　总之，对于戏剧创作来说，形式可以千变万化，理念可以不断更迭，但一定的表达意识总不该缺席。（夕君）